@彩云译设计：插画在如今这个信息爆炸的年代，相较于文字，显得越来越能吸引用户的注意力。本文罗列了一些目前最流行的插画风格趋势，大家可以从中吸收到一些灵感。另外，也思考下大佬是如何区分不同风格，每种不同风格的差异点，能帮助大家提升作品的鉴赏能力。或许，你也能创造属于自己的独特风格，加油！
我是一名插画上瘾爱好者，当我沉浸在网上那些才华横溢的艺术家的作品中时，我会忘却时间的流逝。插画艺术已经成为落地页面中的关键元素，而它的趋势，每年都是独特且丰富的。它为用户提供了一个非常好的品牌推广方式，成为品牌形象中的重要组成部分。虽然现在网上有很多免费的插画库，但使用独特的图形来代表品牌定位和信息还是值得做的。
90年代的照片风格已经失去了它的吸引力。虽然我们看到Unsplash等网站上出现了一个图片质量提升的新时代，但是对于许多品牌来说，想要恰当地利用这些图片来产生强大影响力仍然很困难。
插画是一个完美的中间解决方案，能够让照片和人的情感相联系，同时提炼出一种中性的味道，可以在更广泛的可能性中使用。随着艺术与我们打造的品牌和产品越来越紧密地交织在一起，我们在寻找艺术家时，有一个参考点是很重要的。
在这里，我整理了一些我最喜欢的插画风格，并着重介绍了每种风格中一些特别出色的例子。由于缺乏具体的风格定义，我使用自己的分类方式来定义每种风格。
我希望这篇文字既可以作为一个风格参考，也可以根据这份参考建立你自己的插画库。
谢谢这些为世界创造出如此多美妙作品的插画艺术家们。
1、扁平插画风格
扁平插画是符号化的经典，只用几种简单的颜色就表达出深邃的内涵。
你可能已经在《The New Yorker》、《Sephora》和许多书的封面上见过Malika Favre的作品。她的极简主义风格往往以女性形象或女性情感视角为特色。我是她的忠实粉丝。
动画使得Malika的作品从页面中跳入你的内心，几乎可以感受到她画的人物正在盯着你看。
关注建筑和环境的体验，Levente设计了令人惊叹的配色组合，让人感受到黄昏琥珀色的天空和夏日阳光西下后的情景。
通过与我们自己的记忆相联系的意像来传达情感是与用户建立连接的好方式。我们都有类似的经历，但以插画表达出来，并让用户感同身受才是伟大艺术的标志。
Coen 延续了扁平插画的趋势，但通过结合投影，角度和结构的方式增加了更现实的视角，使得他的作品特别值得关注。他会使用柔和的颜色来软化场景，让我们能沉浸到他所创作的空间中。
2、微渐变风格
虽然与扁平插画有明显的不同，但我认为这里的区别还是值得被定义的。在扁平插画中加入渐变和颗粒纹理会使得插画变得柔和，极大的改变了插画整体的感觉。
当与动画结合在一起时，容易产生一种情绪，让用户沉浸到场景中。在寒冷的冬天看到画面中飘落的毛毛雪花，在某种程度上来说，不可能与纯粹的扁平风格感受一样。只需要盯着看几分钟，内心就会想蜷缩到壁炉旁边读上一本好书。
传统的日本木版印刷工艺限制了Hiroshige、Utagawa等大师使用的色彩数量。他们是日本漫画风格的巨大灵感来源，他们的作品可以在这些现代景观和生活场景中看到痕迹。正如彩色打印使用的一种方法，通过分层渐变添加更多的颜色，现代插图画家也使用这种技术，把我们带入更深的世界中。
我非常喜欢Lana在她作品里使用的配色，但正是她捕捉到的独特的人性瞬间，让她的插画如此鼓舞人心。它让你置身于那些情感复杂、可以从多种角度理解的人物之中。
她对这些关键时刻以及每一个场景的框架的选择，使作品在某种程度上栩栩如生，有别于其他艺术家。
Jack的插画善于使用紧凑的互补色，强调空间中的光线流动。他对渐变和颗粒纹理的使用，让每件作品都拥有经典和复古的味道，我个人觉得这非常有吸引力。
Walid是产品着陆页插图的大师，他擅长选择合适的配色，在每一件作品中都营造出一种独特的氛围。我在自己的许多个人项目中都参考了他的设计范例，并受到他的配色和干净地渐变阴影的启发。
当使用到一个较重的渐变，颗粒状的渐变纹理能够让插画具有另一种新的质感，纹理似乎也带来了一些梦幻的感觉，我认为这是值得注意的工作。
Demet 的作品使这种风格超越了它的起源，进入了一个全新的领域。她采用颗粒渐变，并与更复杂的线混合在一起，创造一个真正超现实的视觉。
3、超写实投影
给画面增加一些细腻的投影，有深度和层次，我们称之为超写实投影。当你眯起眼睛来看时，很可能会误以为自己看到的是一张照片。
Ahmet’s 所创造的世界之所以更加真实，是因为它不够完美。床上的被子很随意的垂下地来，灰尘似乎漂浮在点燃的走廊空气中。不知何故，我们似乎在某个地方见过此景，但却又想不起确切的位置。
4、线条和写实投影
少即是多，多即是少。无论你想要捕捉怎样的画面，即使只有几种颜色和一些线条，也可以将其传递到非常逼真的程度。
Elle的作品以纯色背景加上简单，独特的形式作为特点。她用手和面部将观众与角色联系起来，而投影看起来成为了点睛之笔。
5、霓虹灯效果
通过类似流动液体的形式表达是这一大趋势的亮点，在Beeple和Dribbble的很多作品中能看到。
Xsullo的作品几乎都含有霓虹灯的配色，人头骨和虚拟现实的元素，这似乎很大程度上受到插画家Josan Gonzalez和他的《Brazillian cover of Neuromancer》作品封面启发。
细节几乎爆炸，结合了卡通和动感的风格来创造一个整体超现实主义的感觉。我不确定他想告诉我们什么是未来VR体验，但我绝对是被他所吸引了。
6、半扁平，半写实
这种风格弥补了扁平和写实风格之间的鸿沟。与一般的扁平风格突出纹理相比，这种样式的线条和纹理细节会更多。
这种风格几乎是经典日本动画风格的回归，就像在电影《Akira》中看到的那样，Valeri Zarytovski的插画激发了我们的灵感，让我们能够想象这些场景可能就是来自于奇异的未来。
Vincent通过强调前景和背景元素之间的距离，使得画面更加贴近现实世界，具有真实的深度。他在机械和场景物体上运用了大量的细节，使作品真实地生活在一个现实的世界里。
7、调色刀
这种风格就像用调色刀在画板上涂了厚厚的一层，或者用带油脂的记号笔划上一道道的条纹，创造出硬朗的边缘来组成形体。
虽然大多数品牌都选择了更为简单的方法，但在不久的将来，风格选择必然会出现多元化。将传统的设计方法转换成数字形式，可以带来新情感体验。
我希望未来我们能看到更多的品牌开始使用这样的概念。
Viktor 的数字绘画将色彩、纹理、动作甚至是微妙的幻觉都巧妙地融合在一起。他的幽默和他的风格一样犀利，但随着进一步的观察，我们看到他的眼睛里充满了泪水，在那一刻，我们对他的看法发生了巨大的变化。
我非常喜欢他利用眼睛的方式，反过来，他在利用我们大脑的面部识别部分，这样我们就很难找到一个地方来集中我们的目光。这在某种程度上让你困惑，又会让你微笑。这种眼睛的把戏使他的作品超越时间，这是其他艺术无法做到的。
然后，关于他的作品，近距离观看的话会有惊喜。
8、Fleischer的风格
我们已经看到了经典的黑白风格复苏，它起源于 Fleischer Studios，并很快被迪士尼模仿。
如果你还没有看过《白雪公主》（1933年）中的小丑科科的这一幕，那就准备好被震撼吧。
科科是第一个从Max Fleischer发明的旋转镜中诞生的角色。旋转镜是一种通过追踪人类运动的连续镜头使得动画更逼真的装置。
McBess是我一直以来最喜欢的艺术家之一，他重新点燃了这一经典风格的火炬，并把它推向未来。我经常回顾他的作品，甚至还重新创作了他的一幅作品。
McBess的作品中有许多反复出现的主题。其中最引人注目的是摇滚音乐（与他的乐队合作），生肉，斧头，航海意像，魔鬼，纹身和诱人的危险女孩。
他的动画作品也很特别。
9、机械现实主义
作为透视和机械细节的大师，Kim Jung Gi能够将数百个角色和物体组合成一个独特的线条交响乐。
有一个关于关于创作过程和他如何形成自己的风格的精彩访谈（地址是：
youtube）。以一种高度逼真的方式表现物体，同时又保持和谐，这对品牌的使用绝对是有好处的。
我可以想到各种品牌的产品，大大受益于添加细节。想象一下下面一瓶机油上的图像，我打赌你会花几分钟来欣赏这个品牌所选择的形象，而这段时间可能很快就会通过差异化的形象演变成品牌忠诚度。
10、超写实风格
在某种程度上，我们正在跨越从插图到数字绘画的界限，以及定义这两个类别上的差异。
我还没见过哪个品牌采用这种逼真的图像，但我有一种感觉，它很快就会成为一种流行趋势。随着的诞生，再加上日益现实的人工智能，我可以想象，未来我们与品牌的主要接触将是他们选择代表的全数字人。
Irakli不仅仅跨越了线条——他在复制人类形态方面跨越了巨大的鸿沟。他利用不完美使他的图像变得更加可信。
仔细观察第一张图片，你会注意到他在发际线或毛衣领的细微细节上的创作过程，这几乎是他数字绘画中透出水彩画的感觉。不过，你会发现很难在他的其他作品中找到他创作过程的痕迹，因为它们简直浑然一体。
我无法理解他是如何如此完美地传达情感，但也重建了无限范围的纹理和光影。他的才能真是非凡。
我希望这些图片能激励你在过去的基础上更进一步，看看在代表你的品牌和产品时可以做些什么。
正是这些细节让一个公司感觉更像一个朋友，而不是一个没有灵魂的企业，而插图是我们在面向客户的整体战略中朝着正确方向迈出的一步。
一定要紧跟这些有才华的艺术家和他们的创意之旅。
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